大幕落下，上海东方艺术中心的掌声久久不息。5月28日晚，越剧《苏东坡》演出谢幕时，许多观众涌向台前，齐声吟诵“莫听穿林打叶声”……一句“也无风雨也无晴”，成为台上台下最动人的共鸣。这部由茅威涛领衔、司徒慧焯执导的作品，在不到五个月内两度登陆上海，以江南越韵演绎北宋文豪。
“从传统里头挖东西出来”
近年来，舞台上掀起了一波“苏东坡热”：话剧、川剧、锡剧、音乐剧、舞剧等纷纷以他为题，或写宦海沉浮，或唱诗词旷达，或聚焦民生功业，形成一种文化现象。在众多版本中，浙江小百花越剧院以女子越剧的柔美诠释文人风骨的刚劲，并对传统戏曲程式进行了新的探索。
作为艺术总监与领衔主演，茅威涛告诉记者，越剧版《苏东坡》在不少板块都做了“从传统里头挖东西出来”的创新。她表示，“小百花”一直在探索舞台综合审美如何与当代观众接轨，满足现代人的情绪价值。“传统戏曲‘一桌两椅’的极简范式自有其艺术高度，但面对今天被影视剧、舞台剧熏陶的观众，单一的线性叙事已很难满足其观演需求。”
为此，该剧采用了类似“盗梦空间”的时空结构，在两个半小时里穿梭于苏东坡的少年意气、中年困顿与晚年旷达，写意、跳跃、散文化，不再拘泥于情节的完整交代。这种处理让不少观众眼前一亮，但也引发了争议。作为喜欢茅威涛多年的观众，来自杭州的“吱吱”已追看越剧版《苏东坡》近十场。她告诉记者，初看首演时并不满意，在观看多场之后，才逐渐领悟到作品的亮点和妙处。
茅威涛并不回避这些声音。她坦言，创新更需要坚持。而这种坚持的底气，来自对传统的扎根。为塑造苏东坡，茅威涛特意赴山西学习晋剧髯口技艺，把老生身段融入女小生表演，让人物更具风骨与沧桑感。音乐上，团队从宋代古曲《醉翁操》中汲取养分，将绍剧“三五七”、民间锣鼓等传统元素融入越剧唱腔，让“大江东去”的豪迈与“十年生死两茫茫”的深情都有了依托。她说，这不是“不像越剧”，而是从传统里挖资源，在程式中找新意，守住本体，再做拓展。
创作中，茅威涛与团队经历过反复打磨、数次停摆，如同东坡人生一波三折。在排演“赤壁怀古”时她曾一度陷入瓶颈，甚至感到崩溃，正是在不断回到传统、贴近人物的过程中，才慢慢找到表演支点。这种“否定之否定”的创作过程，让《苏东坡》最终形成了兼具写意留白与现代质感的演剧风格。
最近也在追剧的茅威涛向记者坦言，《主角》里看见苟师给青娥包大头时说“若想唱戏就得受这苦”，而伙房胖婶为女娃沐浴更衣时那句“你就要嫁给舞台了”，更是让她直接痛哭流涕：“个中滋味，只有‘戏人’才懂。”对茅威涛来说舞台是羁绊、是追求，更是一生所系。
以东方意境通世界语境
作为首届中国戏剧梅花奖国际化优秀剧目展演的代表剧目，越剧《苏东坡》不仅吸引了中国观众，也让不少国际戏剧人眼前一亮。来自匈牙利的剧院经理亚当·贝尔佐尼·贝拉格在观演后告诉记者，这部作品无论在视觉还是声音上都颇为出色，演员的嗓音也有魅力。“它带来了震撼、强烈的舞台意象与音乐表达，故事动人，是一场具有美感的艺术体验。”
国际视角的认可，印证了茅威涛与总导演司徒慧焯的判断：东方美学可以不依赖过多翻译，直抵人心。司徒慧焯提出，希望《苏东坡》以谦卑之心扎根传统，登上世界舞台，开启全球巡演，向世界分享东方美学与当代戏曲的创造力。
茅威涛对此深有共鸣。不到五个月两次来沪，《苏东坡》收获了不少上海戏迷的认可，这让她更加坚定最初的选择。相比传统戏曲高度程式化、需要大量背景解释的表达，《苏东坡》降低了跨文化理解的门槛。光影、留白、肢体与音乐共同营造的意境，便能让不同文化背景的观众感受到人物的旷达与坚韧、失意与通透。
更重要的是，苏东坡的精神境界具有能让不同国家、不同文化观众共情的力量。茅威涛认为，屈原的刚烈、陶渊明的归隐，在现代社会难以完全复刻，但苏东坡的人生态度，是每个人在现实里都用得上的生存智慧——他一生起起落落，从庙堂高位到屡遭贬谪，辗转黄州、惠州、儋州，人生如同过山车。可他从未沉沦，在困顿中自寻生路，在风雨里守住从容。
这种品质恰好能够安抚当下有些焦虑的人们。快节奏生活、情绪内耗、不确定性……每个人都在经历属于自己的“风雨”。而苏东坡给出的答案，不是逃离，不是对抗，而是接纳。茅威涛说，排演苏东坡的过程，也是被苏东坡治愈的过程。她希望把这份“一蓑烟雨任平生、也无风雨也无晴”的从容传递给观众。也正因如此，《苏东坡》具备了天然的跨文化传播能力。外国观众或许不懂越剧程式、不熟悉宋代历史，却能看懂一个人如何面对命运起伏，如何在困境中保持尊严与温柔。
当越剧遇上苏东坡，相遇的不仅是题材与声腔，更是传统与现代、东方与世界的对话。而“也无风雨也无晴”的吟唱，也将伴着越韵悠扬，在更多舞台上温暖人心。
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